씨앗갤러리는 오는 9월 1일부터 9월 13일까지 공예 분야에서 활발한 활동을 하고 있는 6명의 국내외 현대 장신구 작가들 (김용주, 김수연, 박주형, Rebecca Hannon, Lauren Tickle, Mallory Weston)이 참여하는 기획전 <Providence 섭리> 를 개최한다. 해당 전시에서는 약 60여개의 다양한 공예 작품들을 만나볼 수 있다.
전시의 제목인 “Providence” 에는 두 가지 의미가 있다.
Providence의 첫 번째 의미는 “섭리” 이다. 처음 접했을 때 생소할 수 있는 단어, “섭리” 란, 국어 사전적 의미로 “자연계를 지배하고 있는 원리와 법칙” (자연의 섭리) 또는 “세상과 우주 만물을 다스리는 하나님의 뜻” (신의 섭리) 로 볼 수 있다.
두 번째로 Providence (프로비던스) 는 미국 로드 아일랜드 주의 주도의 이름이며, 미국에서 가장 오래 된 도시 중 하나이다. 로드 아일랜드 스쿨 오브 디자인Rhode Island School of Design (RISD), 브라운 대학Brown University 과 같은 명문대가 위치 해 있다.
사실 도시 Providence가 그 이름을 갖게 된 배경에는 providence 의 명사적 의미가 부여 된 것이다. 1636년, 개신교 종교 탄압을 피해 매사추세츠주에서 탈출한 로저 윌리엄스 목사가 새롭게 정착하게 된 피난처가 하나님의 섭리였음을 믿는 마음에서 도착한 지역을 Providence 로 지명하게 되었으며, 현재의 Providence 가 되었다.
많은 이들에게 안식처가 되고 새로운 길을 제시 해 주는 곳이었던 Providence 는 이번 전시에 참여하는 6인의 작가들과 전시 기획자인 씨앗갤러리의 디렉터 모두에게 있어서도 매우 중요한 의미를 지닌다. 비록 시기는 다르지만 작가들과 디렉터 모두 RISD 에서 금속 공예를 공부하며 Providence 에서 예술인으로 서의 꿈을 키워나갔고, 그 당시는 알지 못했지만 그 때의 시간들이 각자의 인생에 큰 영향을 미치며 나아갈 길을 제시 해 주었다.
2021년 현재, 우리 모두는 한 번도 겪어보지 못한 전례 없는 펜데믹과 여러 기상이변의 세상 속에서 살아가고 있다. 한 치 앞도 내다볼 수 없는 삶이지만 절망 속에서 Providence 라는 한 줄기 소망의 빛을 찾은 로저 윌리엄스와 같이 이번 전시의 작품들이 관객 분들의 마음에 위로가 되고, 각자의 삶에 임하는 섭리를 통해 소망을 찾는 시간이 되었으면 한다.
귀걸이는 과거에서 현재까지 인류가 성별을 불문하고 즐겨 착용한 장신구이다. 우리 역사에서 가장 오래된 귀걸이는 신석기시대의 것으로, 소수의 사람만이 착용할 수 있었다. 금속공예가 발달한 삼국시대에는 금과 은은 물론 수입 유리와 보석에 장인의 기술이 더해진 독특하고 아름다운 귀걸이가 등장하였다. 조선시대에는 왕족부터 천민에 이르기까지 남녀노소가 귀걸이를 즐겨 착용하였다. 그런데 귀걸이 착용을 위해 귀를 뚫는 행위는 ‘신체와 머리카락, 피부는 부모에게 받은 것이니 감히 상하게 하지 않는 것이 효의 시작이다’라는 유교 가르침에 반하는 일이었다. 오늘날 귀걸이는 현대인의 개성을 표현하는 장신구로써 널리 애용되며, 인체를 치장하는 하나의 예술적 조각으로 재인식되고 있다.
김수연 Sooyeon Kim A Building of Cordoba, Spain 브로치 Brooch 사진용지, 에폭시레진, 혼합재료, 정은 Photo paper, epoxy resin, mixed media, sterling silver 2015 김용주 Yong Joo Kim Transitions in Red II 목걸이 Necklace 벨크로, 실 Velcro, threads 2015 박주형 Joohyung Park Peeled 1 목걸이 Necklace 은행나무, 옻칠, 정은 Ginko wood, ottchil, sterling silver 2015 조완희 Wan Hee Cho Reconfiguring Slow in the Fast World #3 브로치 Brooch 한지, 실리콘, 정은 Korean mulberry paper, silicone, sterling silver 2015
Contemplastic
이번 전시 주제인 Contemplastic은 본 전시를 위해 Contemplation(심사숙고하다, 관조)과 Plastic(유연한) 두 단어를 조합한 신조어이다. 작가는 작업에 임할 때, 자기 주관을 바탕으로 심사숙고한 결단을 단호하게 수행할 수 있어야 한다. 그리고 동시에 외부의 영향을 열린 마음으로 소화하여 자신의 결단을 유연하고 융통성있게 발전시킬수 있기도 해야 한다. 이 과정에서 작가는 작품을 통해 어떤 개념을 표현하고자 하는지, 완성된 장신구가 우리 인체의 어느 부분에 어떤 형태로 착용될지와 같은 주관적 선택의 갈등을 겪게 될 뿐만 아니라, 착용자가 착용함에 있어서 불편함은 없는지, 본인의 작품이 현재 사회, 문화, 경제, 예술, 공예, 현대장신구계등의 흐름과 어떻게 대화하고 소통할지와 같은 간주관적 선택의 갈등도 겪게 된다.이번 전시에 참여하게 된 4명의 여성작가는 위와 같은 고민과 갈등을심사숙고하며 유연하게 대처하려 하는 과정에서 겪은 경험을 기록하고 공유함으로써, 대중과 보다 친밀한 소통을 이룩하고자 본 전시를기획하게 되었다.갤러리 바움의 다섯 번째 현대장신구 기획 전시에 선정된 참여 작가들은 지난해부터 정기적으로 다채로운 분야에 관한 대화를 실행하고, 기록하였다. 이 대화록을 관객과 공유함으로써, 전시된 작품만으로는 알수 없는 면과 공감해 볼 수 있는 기회의 장을 마련하고자 한다. 또한,우리의 개인적, 예술적, 사회적, 문화적인 관점이 일회성 전시를 넘어, 관객과 작품, 그리고 관객과 작가와의 거리를 좁히는 데에 조금이나마 이바지하기를 바란다.
Contemplastic
The title, Contemplastic, is a word newly created for this exhibition by combining the word “Contemplation” and “Plastic.”When we create our art work as jewelry artists, we must be able to make firm decisions based on our philosophy. In addition, we must also be able to digest outside input with an open mind and be flexible enough to let them develop and grow our decisions. During this process, we not only face conflicts of the subjective kind — such as deciding what concepts we want to express, where on the body should the finished work be located, and what the finished form should look like — , but also of the inter-subjective kind — such as ensuring the work is comfortable enough to be worn and that our work communicates and dialogues with the current discourse of our society, culture, the field of art, craft, and contemporary jewelry. By curating this exhibition, we, the 4 participating female artists, hope to share the experience we had while navigating the above conflicts and concerns. Our intent is to facilitate greater intimacy between ourselves and our audience. After we were selected for the 5th Baum gallery art jewelry competition, we regularly engaged in conversations around a variety of subject matters. By publicly sharing the documentation of these conversations, we hope to facilitate an opportunity for the audience to empathize within an aspect which would normally be inaccessible by mere observation of the final art from. We also hope that our personal, social, and cultural points of views will contribute, however minutely, to lessening the gap between the artwork and the viewer
Sooyeon Kim Jewelry 